■美術展の感想を！

＊以下□の3展示を観る. ■東京ｵﾍﾟﾗｼﾃｨｰｱｰﾄｷﾞｬﾗﾘｰ,2026.4.16-6.24 □拡大するｼｭﾙﾚｱﾘｽﾑ 日常を変える,世界を変える ■作家:ﾏﾙｾﾙ･ﾃﾞｭｼｬﾝ,ﾏﾝ･ﾚｲ,ﾌﾗﾝｼｽ･ﾋﾟｶﾋﾞｱ,ｻﾙﾊﾞﾄﾞｰﾙ･ﾀﾞﾘ,ｱﾝﾄﾞﾚ･ﾌﾞﾙﾄﾝ他 ■日本各地の美術館から作品を集めた展示会である。　過去に観た作品も多く、新鮮味という点ではやや欠けるものの、シュルレアリスム入門としての性格が強く感じられた。 第一章「オブジェ」の解説には、シュルレアリスムの目指す方向性が示されていた。　そこでは「客観と超現実の関係」が語られ、主体の意識を客体へと移し、客体そのものが立ち現れる瞬間を待つという態度が強調されている。　客体が超現実的に変容していく過程を作品化する。　つまり、シュルレアリスムとは幻想や夢を初めから語るのではなく、客観を徹底して扱うことで超現実へ到達しようとする運動なのだ。 展示はその後、「写真」「絵画」「広告」「ファッション」「インテリア」へと続いていく。　二次元から三次元へと領域が広がり、客体の“本丸”へ向かっていくようにも見えた。 今日は第一章の解説に沿って作品を鑑賞したが、これは作家の制作過程を追体験する行為も含まれるので、なかなかに疲れる作業でもあった。　それでも、久しぶりのシュルレアリスム展を十分に楽しむことができた。 ＊美術館、 https://www.operacity.jp/ag/exh297/ □幻想の景色と不思議ないきものたち,収蔵品展086 寺田ｺﾚｸｼｮﾝより ■作家:落田洋子,川口起美雄,望月通陽,池田龍雄ほか ■１階の企画展を観終え、２階の収蔵品展へ向かった。　どちらも幻想や夢を主題とした作品が多いが、２階に並ぶ作品は１階とは対照的に、作家の主観から直接生まれた世界が強く前面に出ている。　これは日本独自の流れなのか、それとも時代的な傾向なのか？　おそらく前者だろう。 チラシには古今和歌集の一首が引用されていた。　「世の中は夢かうつつかうつつとも夢とも知らずありてなければ」。　夢と現実が主客分離しないまま境界で溶け合う、この感覚こそ日本的な幻想の源泉なのだと感じた。 企画展と収蔵品展を続けて観ることで、客観的に構成された幻想と、主観から立ち上がる幻想という対照が際立ち、その組み合わせが特に興味深かった。 ＊美...

■作家:ｳｼﾞｪｰﾇ･ﾌﾞｰﾀﾞﾝ,ｴﾐｰﾙ･ｳﾞｪﾙﾆｴ,ﾛｲｽ･ﾃﾞﾙﾃｲﾕ ■SOMPO美術館,2026.4.11-6.21 ■日本では３０年ぶりとなるブーダンの回顧展だという。　印象派展では脇役として扱われがちなブーダンだが、今回は100点もの作品をまとめて鑑賞できる貴重な機会となった。 ブーダンの絵画は、空と海が画面の大半を占める。　まさにコローが評した「空の王者」という言葉が腑に落ちる。　派手さはないが、眺めているうちに心が静かにほどけていくような癒しがある。 彼の描く雲や波は、自然の変化を忠実に写し取っているようだ。　今回の展示で知ったのだが、船乗りの父の影響もあり、ブーダンは「天候を読む漁師の目」を持っていたという。　だからこそ、印象派の画家たちのように色彩に溶け込ませるのではなく、雲や波が現れては消えていく、その一瞬の相貌を確かに捉えている。　ボードレールが述べた「気象学的な美しさ」という表現が、これほど似合う画家も珍しい。 海景から陸景へ移ると、画風は一気にバルビゾン派へ近づく。　トロワイヨンの影響が強いと解説されていたが、そこにコロー風の柔らかなタッチも感じられる。　後半になると、ヴェネツィアの建物の壁には雲の質感が塗り込められ、牛の量感には雲を固めたような重さが宿っていく。　湖や池の水面は不思議なほど静まり返っている。　陸では、彼の“天候を読む力”が対象物に付着しているかのようだが、モノとして力が立ち上がってこない。 やはりブーダンは、何もないようでいて無限の変化が潜む空と海にこそ帰るべき画家なのだと、改めて感じさせられた。 ＊美術館、 https://www.sompo-museum.org/exhibitions/#now

■作家:ﾌﾞﾙｰﾉ･ﾑﾅｰﾘ,ﾏｯｸｽ･ﾋﾞﾙ,ｵﾄﾙ･ｱｲﾋｬｰ,ﾃﾞｨｰﾀｰ･ﾗﾑｽ,ｱｯｷﾚ･ｶｽﾃｨﾘｵｰﾆ,ｴﾝﾂｫ･ﾏｰﾘ ■2121ﾃﾞｻﾞｲﾝｻｲﾄ,2025.11.21-26.3.8 ■今日は開催最終日のため混雑を覚悟していたが思ったほどではなかった。　上野の美術館とは客層の異なることが影響しているのかもしれない。 本展は６人のデザイナーに焦点を当てた構成になっている。　（上記作家欄の）前半の４人がドイツ系、後の２人はイタリア系に分かれており、このブログの過去に触れていたブルーノ・ムナーリとマックス・ビル以外は私にとって馴染みがない。　ムナーリとビルはデザインにとどまらず美術全般に活動を広げているため、出会う機会が多いのだろう。 イタリア系の二人は、よりプロダクト寄りのデザイナーと言える。　対象が具体的であるためか、二人の言葉はどこか饒舌に響く。 「興味がないなら忘れなさい」（  アッキレ・ カスティリオーニ）、「量産現場での繰り返し作業は職人も思考停止に陥る」（エンツォ・マーリ）。　マーリは無印良品との関係もあるらしく、過剰な資本主義から距離を置くというＭＵＪＩ思想にも通じるものを感じた。　 同じくプロダクトデザイナーであるドイツ系のディーター・ラムスは言葉の選び方にも秩序がある。　ブラウン社で数多くの機能主義的製品生み出した彼の「良いデザイン１０箇条」は印象に残った。　良いデザインは・・、「革新的である」「実用的である」「美しい」「分かりやすい」「主張しない」「誠実である」「長持ちする」「細部まで完璧」「環境に優しい」「簡素」である。　商品の基本原則としても十分通用する内容だ。 会場を後にすると、早くも６人の違いが曖昧になっていることに気づいた。　絵画や彫刻のように作家の個性が強く出る分野とは異なり、デザインは「使う人のため」という共通目的に向かうので、自ずと似た方向へ収束していくのかもしれない。 ＊美術館、 https://www.2121designsight.jp/program/design_maestros/

■作家:ﾌﾗﾝｼｽ･ﾍﾞｰｺﾝ,ﾀﾞﾐｱﾝ･ﾊｰｽﾄ,ﾃﾞﾚｸ･ｼﾞｬｰﾏﾝ,ｽﾃｨｰｳﾞ･ﾏｯｸｲｰﾝ,ｻｲﾓﾝ･ﾊﾟﾀｰｿﾝ他 ■国立新美術館,2026.2.11-5.11 ■１９８０年代後半から２０００年頃までに製作された英国美術に焦点を当てた展示会である。　１９８８年、作家ダミアン・ハーストが企画した「フリーズ」展に集まった作家たちは、ＹＢＡ、つまりヤング・ブリティッシュ・アーティストと呼ばれるようになった。 会場に入ると、まずフランシス・ベーコン「トリップテック（三幅対）」（１９８８年）が目に飛び込み、続いてダミアン・ハースト「後天的な回避不能」（１９９１年）が現れる。　しかし、独自の表現を追求する作家たちの作品も並び、最初は全体像がつかみにく印象を受けた。　「ハンズワースの歌」（１９８６年）のドキュメンタリー映像を観た後、これら三作品を通して展示の主題が徐々に見えてきたように感じられた。 英国の身体・社会・歴史が世紀末に向けて溶解し始めていたのだ。　そこには英国特有の植民地主義の影も含まれるだろう。　この溶解は今も続いていて先が見えない。　ＡＩやドローン兵器といった劇的な技術変化を取り込みながら、このまま２１世紀は進んでいくのかもしれない。 映像作品では「ハンズワースの歌」のほか、トレイシー・エミン「なぜ私はダンサーにならなかったのか」（１９９５年）、スティーヴ・マックイーン「熊」（１９９３年）、スタバ・ビスワス「ミッキー・ベイカーの試練と苦労」（１９９７年）、マーク・ウォリンジャー「王国への入口」（２０００年）などを観ることができた。 エミンは赤裸々な性差別を語り、ビスワスは階級差別を語る。　「ジャマイカでは肌の色の濃淡で階級と教育程度が分かってしまう。　それを私はいつも気にしていた・・」。　・・。　ウォリンジャーは空港の到着ゲートに注目するが、そこに映るのは日常的に見慣れた会社員ばかりで、狙いは理解できるものの強い印象は残らなかった。　それよりも「ハンズワースの歌」に映る英国の港へ到着する移民船の乗客たち、安っぽい背広にネクタイを締めた人々の姿に衝撃を受けた。　彼らの背伸びをした正装で到着ゲートを通る姿に・・。 これまで「世紀末」といえば１９世紀末を指すことが多かったが、ようやく２０世紀末を描くことができる時代になってきたと感じられた。　英国以外の国...

＊下記□の3展を観る. ■東京ｵﾍﾟﾗｼﾃｨｱｰﾄｷﾞｬﾗﾘｰ,2026.1.21-3.29 □ｱﾙﾌﾚﾄﾞ･ｼﾞｬｰ ■アルフレッド・ジャーの作品を見るのは初めてだったが、会場に入っても暫くは展示テーマが掴めなかった。　しかし配布された資料を読むことで状況が理解できた。　とはいえ、その資料は場内で読むには長文で、しかも作品の核心まで踏み込んだ内容である。　主催者側も、補足説明がなければ観客が戸惑うと考えたのだろう。　実際、私もその混乱に陥ってしまったようだ。 説明書を読みながら展示を進むのはなかなか疲れる。　そんな中で、心に残ったのが「サウンド・オブ・サイレンス」（２００６年）である。　ある報道写真家がスーダンで撮影した一枚の写真をもとに、ジャーがドキュメンタ風に構成した映像作品だ。　その写真には「飢餓に苦しむ幼児の背後に、一羽のハゲワシが静かに立ち尽くす姿」が写っている。　後日、この写真はピューリツァー賞を受賞したものの、大きな物議を醸し、写真家は自ら命を絶ってしまった。　　「見ることの責任」を問われたのである。　撮影後、写真家はその場を立ち去ったとされている。　この作品を通して私自身も多くのことを考えさせられた。　おそらく、ジャーという作家を忘れることはないだろう。 ＊美術館、 https://www.operacity.jp/ag/exh294/ □寺田ｺﾚｸｼｮﾝ･ﾊｲﾗｲﾄ ■場内をざっと一回りする。　今回は有元利夫、堂本右美、難波田史男の作品が脳裏に残った。 ＊美術館、 https://www.operacity.jp/ag/exh/detail.php?id=320 □岩崎泰波 ■何とも言えない面白い作品群だ。　観ていて飽きない。　「日常の見慣れたものがいつもと違ってみえるような瞬間を捉える」。　現実世界から出発しているので不思議な作品でも親しみが湧くのかもしれない。 ＊美術館、 https://www.operacity.jp/ag/exh/detail.php?id=321

■作家:中村彜,佐伯祐三,織田一磨,松本俊介,滝口修三,清宮質文ほか ■SOMPO美術館,2026.1.10-2.15 ■「池袋モンパルナス」は美術館や芝居で度々取り上げられるが、「新宿中村屋サロン」が話題に上ることは殆どない。　ＳＯＭＰＯ美術館が５０周年記念として新宿に目を向けたのはよいタイミングだと思う。 １章「中村彜と中村屋サロン」から始まる。　中村彜（なかむらつね）をじっくりみるのは今回が初めてである。　「カルピスの包み紙のある静物」（１９２３年）は特に気に入った。　印象派風を感じさせながら、素早い線が画面にリズムを与え、色彩とも調和している。　画家ベルナール・ビュフェを薄くしたような雰囲気もあり、眺めていても飽きない。　「頭蓋骨を持てる自画像」（１９２３年）を目にしたときは、エル・グレコを思い浮かべた。　描かれた人物は聖ペテロだろうか。　彜は１９２４年に亡くなっており、これら２作品は死の直前に描かれたものらしい。　どちらにも、死から逃れられない諦観が漂っている。 コラム１「文学と美術」では岸田劉生「画家の妻」（１９１５年）が展示されていた。　東京では滅多に見ることができない。　思いがけない贈り物だった。　 ２章は「佐伯祐三とパリ／新宿」。　佐伯はモーリス・ヴラマンクから「このアカデミックめ！」と一蹴されたらしい。　下落合を描いた２作品が展示されていたが、彼は新宿で生活していたのだろうか？　新宿をテーマにしながら、画家たちの生活地図を掲載していないのは片手落ちに思える。　当時の写真なども併せて展示されていれば、より画家たちに近づけたはずだ。 コラム２「描かれた新宿」では木村荘八の９０年前の「新宿駅」（１９３５年）が目を引いた。　暗い画面だが静かな活気に満ちている。　かつてのニューヨークのグランド・セントラル駅を思い起こさせる。　数十年前の同駅はとても暗かった。　絵の前に立つと過去の記憶が次々と甦ってくる。 ３章「松本俊介と綜合工房」、４章「阿部展也と滝口修三」。　ここで松本俊介や滝口修三が登場するのは意外であり展示の幅を感じさせる。　松本俊介の「Ｎ駅近く」（１９４０年）は西武新宿線中井駅付近を描いたものらしい。　隣は下落合駅で、池袋と新宿のほぼ中間に位置する。　今日の展示をみても、「池袋モンパルナス」と比べると新宿はやや影が薄い印象を受けた。　むしろ池袋の文...

■作家:小出楢重,国枝金三,鍋井克之,黒田重太郎ほか ■府中市美術館,2025.12.20-26.3.1 ■２００１年４月、「そごう美術館」で開催された「小出楢重展」を鑑賞したことがある。　当時の記憶は薄れているものの、鑑賞記録には＜最高＞と記しており、今でも小出楢重は興味を惹かれる画家の一人だ。　今回も彼の全体像に改めて触れることができ、とても嬉しく思った。 先ずは、学生時代に日本画を専攻していたことを初めて知った。　「羅漢図」（１９０８年）などからも、若い頃からの確かな力量がうかがえる。　途中で洋画へ転じたものの「道頓堀の夕陽」「山の初夏」「草丘初夏」（１９１５年）などは平面的でやや暗く日本画と比べると野暮な印象を受けた。 １９１７年の結婚を機に人物画に取り組み始め、１９２１年の欧州旅行を経て生活様式を改め、洋画へと本格的に向かっていく姿は実に見事である。　その成果は「Ｎの家族」（１９１９年）や「静物」（１９１９年）に結実している。　「地球儀のある静物」（１９２５年）も気に入ったが、セザンヌの影響が感じられる点が興味深い。 その後の活動はますます多彩になっていく。　ガラス絵、挿絵、装幀、随筆に加え、芦屋へ転居してからはドライブやカメラにも関心を寄せたようだ。　これらは油絵の息抜でもあったらしい。　軸装や日本画はマチスの楽しさが漂っている。 「信濃橋洋画研究所」特集では、「雪の市街風景」（１９２５年）が国枝金三や鍋井克之の作品と比較されていたが、楢重の職業画家としての確かな技巧がよく伝わってきた。　他にも「街景」（１９２５年）が印象に残った。　「卓上静物」（１９２８年）は対象物を描き過ぎているものの円熟期の作品として魅力が感じられる。 さらに「楢重の裸婦」特集では、日本人裸婦の独特な生命感を湛えた７点の裸婦像が並び、「横たわる裸身」（１９３０年）を含め圧巻の内容だった。　４３歳の若さで亡くなったことが改めて惜しまれる。 帰りには大國魂神社へ立ち寄った。　参道には出店が並び熱気に満ちていた。　猿回しの姿も見られ、今日の充実した展示を思い返しながら帰途についた。 ＊美術館、 https://www.city.fuchu.tokyo.jp/art/tenrankai/kikakutenkaisai/2025_koide_narashige.html

＊当ﾌﾞﾛｸﾞに書かれた美術展から最良の10展を選出.　並びは開催日順.　映画は除く. ■ 福本健一郎 　　東京ｵﾍﾟﾗｼﾃｨｱｰﾄｷﾞｬﾗﾘｰ ■ ヒルマ・アフ・クリント展 　　東京国立近代美術館 ■ ゾフィー・トイバー＝アルプとジャン・アルプ 　　ｱｰﾃｨｿﾞﾝ美術館 ■ リビング・モダニティ、住まいの実験１９２０ｓ－１９７０ｓ 　　国立新美術館 ■ 岡崎乾二郎、而今而後 　　東京都現代美術館 ■ ルノワールＸセザンヌ、モダンを拓いた２人の巨匠 　　三菱一号館美術館 ■ 藤本壮介の建築、原初・未来・森 　　森美術館 ■ 新しい建築の当事者たち 　　TOTOｷﾞｬﾗﾘｰ間 ■ 山本理顯展、コミュニティーと建築 　　横須賀美術館 ■ ブルガリ・カレイドス、色彩・文化・技巧 　　国立新美術館 ＊今年の舞台は,｢ 2025年舞台ﾍﾞｽﾄ10 ｣. ＊今年の舞台映像は,｢ 2025年舞台映像ﾍﾞｽﾄ10 ｣.

＊下記□の3展を観る. ■東京都写真美術館,2025.10.15-2026.1.25 □総合開館30周年記念｢遠い窓へ,日本の新進作家vol.22｣ ■作家:寺田健人,ｽｸﾘﾌﾟｱﾘｳ落合安奈,甫木元空,岡ともみ,呉夏枝 ■近年の写真表現は技術の発達によって加工の有無が判別し難くなっている。　鑑賞した新進作家５人の作品は、岡ともみと呉夏枝を除けば、日常風景を題材にしているものが多い。　作品に添えられたアクセントもいわゆる＜修正＞とは無縁のようにみえる。　ＳＮＳでは加工画像が跋扈しているが、彼らはその世界から距離を置こうとしているのかもしれない。　 しかし日常を主題とする写真は、しばしばテーマが見え難い。　そこで重要な役割を果たすのが作家の挨拶文などの物語、解説といった文章である。　この言葉と写真が結びついたとき、作品の意図が鮮明になり、腑に落ちた感覚が得られる。　日常風景は写真だけで勝負する時代が終わったのかもしれない。 ＊美術館、 https://topmuseum.jp/contents/exhibition/index-5087.html □総合開館30周年記念｢作家の現在,これまでとこれから｣ ■作家:石内都,志賀理江子,金村修,藤岡亜弥,川田喜久治 ■中堅作家５人は新進作家５人とは違う。　テーマが個人から社会へ移行するからだろう。　広島被爆者の遺品、東日本大震災、都市風景、広島平和記念式典、歴史の傷跡などなど。　これらは解説等を読まなくても内容が＜わかる＞からである。　しかし、この＜わかる＞には捻りが入っている。　このため観客には想像力が必要になる。　観客も中堅にならなければいけないようだ。 ＊美術館、 https://topmuseum.jp/contents/exhibition/index-5200.html □ﾌﾟﾘﾋﾟｸﾃ ■作家:新井卓,ﾏﾘｰﾅ･ｶﾈｰｳﾞｪ,ﾄﾑ･ﾌｪﾋﾄ,ﾊﾞﾗｰｼﾞｭ･ｶﾞｰﾙﾃﾞｨ,ﾛﾍﾞﾙﾄ･ﾜﾙｶﾔ他 ■国際写真賞プリピクテを見るのは当美術館で３度目だ。　この賞は世界規模の持続可能性（グローバル・サステナビリティ）に光を当てている。　今回のテーマは「Ｓｔｏｒｍ（嵐）」。　自然災害から公害や戦争までの範囲を１２人の作家がカバーしている。　受賞には伝えなければいけないナラティブ（ストーリー）が必要条件らしい。 今日の３...

■作家:ﾌﾚﾃﾞﾘｯｸ･ﾊﾞｼﾞｰﾙ,ｱﾙﾍﾞｰﾙ･ﾊﾞﾙﾄﾛﾒ,ｴﾄﾞｩｱｰﾙ･ﾏﾈ,ﾎﾟｰﾙ･ｾｻﾞﾝﾇ他 ■国立西洋美術館,2025.10.25-26.2.15 ■会場は１章「室内の肖像」２章「日常の情景」３章「室内の外光と自然」４章「印象派の装飾」と続き、観客は部屋や庭を歩き回る設定にみえる。　しかし、どこまでも〈室内〉という空間にこだわり続ける構成が面白い。 年表を開くと、画家たちは日本の明治時代初期に活躍していたことが分かる。　当時の日本の家庭や室内の様子すら明確に思い描けないのに、遠いフランスの室内となると、なおさら想像が及ばない。 それでも、展示されている作品はどれも心を落ち着かせてくれる。　＜室内＞という空間が安心感をもたらしているのだろう。　描かれている人物の多くは富裕層と思われる。　装飾品だけではなく部屋の模型をみても豊かな生活が窺える。　画家たちは生活のために裕福な家庭を描かざるを得なかったとも聞いている。 理想化した室内を並べることで、画家たちが風景画＜室外＞を理想化するのと違う論理が働いているところは興味深い。　ただし結果が同じになるのは芸術の所以かもしれない。 見覚えのない作品が多かったのも嬉しい驚きだ。　セザンヌ「ギュスターヴ・ジェフロワ」も記憶にない。　広げられた白いノートが三冊、ロダンの彫刻、花瓶の花・・、セザンヌらしい構成だ。　マネ、モネ、ドガ、ルノワールも堪能できた。　しばらくご無沙汰しているオルセー美術館にまた足を運びたくなってきた。 ＊ｵﾙｾｰ美術館所蔵展 ＊美術館、 https://www.nmwa.go.jp/jp/exhibitions/2025orsay.html

＊以下の□2本の映画を観る. □ﾀﾞ･ｳﾞﾝﾁは誰に微笑む ■監督:ｱﾝﾄﾜｰﾇ･ﾋﾞﾄｷｰﾇ ■配信,(ﾌﾗﾝｽ,2021作) ＊映画com、 https://eiga.com/movie/95754/ □ﾛｽﾄ･ﾚｵﾅﾙﾄﾞ,史上最高額で落札された絵画の謎 ■監督ｱﾝﾄﾞﾚｱｽ･ｸｰﾌｰﾄ,出演:ﾀﾞｲｱﾝ･ﾓﾃﾞｽﾃｨｰﾆ,ｲﾌﾞ･ﾌﾞｰﾋﾞｴ,ｴﾊﾞﾝ･ﾋﾞｱｰﾄﾞ他 ■配信,(ﾃﾞﾝﾏｰｸ,2021作) ＊映画com、 https://eiga.com/movie/96547/ ■レオナルド・ダ・ヴィンチ作とされる「サルバトール・ムンディ（救世主）」の真贋や売買の経緯を描いたドキュメンタリー映画を２本観た。　・・美術商・学芸員・専門家・研究者・評論家・競売会社などの美術関係者に加え、実業家などの入札者が入り乱れ、やがて国家までもが巻き込まれていく・・。 「ダ・ヴィンチは誰に微笑む」はニュース解説のような構成で事実を淡々と追っていく。　一方、「ロスト・レオナルド」はより捻りをかけて複雑な人間模様や政治的背景にも踏み込んでいる。　果たしてこの絵は本当にダ・ヴィンチの手によるものなのか？　その判定は今でも分かれているという。 この「サルバトール・ムンディ」を初めて目にしたとき、脳裏に浮かんだのはイングマル・ベルイマン監督の「沈黙」の一場面だった。　それは、あるモーテルの一室での描写だ。　昏睡状態に近い姉が「ドアの向こうに＜あの人＞が立っている！」と叫び、乱れる。　しかし妹は否定し「あれは車のライトよ、誰もいない」と答える。　数十年前に観た映画なので台詞は定かではないが、強烈な印象だけは残っている。 キリストの姿はこれまで多くの絵画で目にしてきたが、姉がみた「ドアの向こうに立っていた者」にぴたりと重なるイメージには、これまで出会うことがなかった。　だが、この「サルバトール・ムンディ」を観たとき、その姿がはっきりと結びついたのを覚えている。　ついに、姉の前に＜あの人＞が現れたのだ！

＊下記□の2展を観る. ■国立新美術館,2025.9.17-12.8 □ﾌﾞﾙｶﾞﾘ･ｶﾚｲﾄﾞｽ,色彩･文化･技巧 ■作家:ﾗﾗ･ﾌｧｳﾞｧﾚｯﾄ,森万里子,中山晃子ほか,会場設計:SANAA,ﾌｫﾙﾏﾌｧﾝﾀｽﾞﾏ ■「日本におけるブルガリの展覧会としては10年ぶり、過去最大のスケール・・」とあるように、質・量ともに申し分のない内容だった。　展示会コンセプトは「色彩革命」とのこと。 金（ゴールド）、白金（プラチナ）、そしてダイヤモンドを組み合わせた純粋色のジュエリーに、心が高鳴る。　そこに色石が加わると芸術性が一気に際立つ。　先ずは赤か黄か青、次に緑か紫か橙。　色彩が重なり合うことで暖色と寒色の対比が生まれ、より複雑な象徴性が立ち上がってくる。　目が騒ぎ、脳味噌がピクピクと刺激されるような感覚に包まれる。 デザインはシンプルながら、蛇（セルペンティ）のモチーフも登場する。　作品の多くはブルガリ・ヘリテージ・コレクション所蔵だがサウジアラビア王室や女優エリザベス・テーラーの名前も見受けられ、華やかな雰囲気が垣間見える。　　　　 「単色系からサファイア、ルビー、エメラルドを取り入れ、その後アメシスト、シトリン、ターコイズなどに広げていくアプローチはブルガリ・スタイルの特徴となり、色石の魔術師としての名声を確かなものにした」という解説にも納得。　この目でブルガリの色彩史を存分に堪能することができた。 ＊美術館、 https://www.nact.jp/exhibition_special/2025/bvlgari_kaleidos/ □時代のﾌﾟﾘｽﾞﾑ,日本で生まれた美術表現1989-2010 ■作家:森村泰昌,草間彌生,椿昇,村上隆,宮島達男,奈良美智,山城知佳子ほか ■登場する作家は５０人と多いが、２０年の歴史を扱うには少なく感じられる。　展示は「プロローグ」と「イントロダクション」で始まり、「新たな批評性」、「過去という亡霊」「自己と他者と」「コミュニティ持つ未来」と章が続いていく。 既知の作家や作品が多かったので会場を足早に廻ることにした。　今回は見逃していた映像作品を中心に鑑賞する。 「若き侍の肖像」（小泉明朗、２００８年）、「ｐＨ」（ダムタイプ、１９９２年）、「ＯＲ、ダイジェスト版」（ダムタイプ、１９９８年）などを観る。　「仮面劇のためのプロジェクト＜ヒ...

＊下記□の2展を観る. ■横須賀美術館,2025.7.19-11.3 □山本理顯展,ｺﾐｭﾆﾃｨｰと建築 ■建築家・山本理顯（やまもとりけん）が設計した１００作品が並ぶ大規模な展示会である。　普通に見て回るだけでも２時間以上かかってしまった。 「閾は出入りするものたちの限界を指し示す」。　作家の言葉が掲げられていた。　＜閾＞（しきい）とはパブリックとプライベートの境界を指し、社会との繫がりを生み出す」。　彼が提唱する境界概念らしい。　言葉の由来は敷居や鴨居にあると考えられる。 初期の作品には、独立させた室を＜閾＞という概念で内空間で繋げた一般住宅が多くみられる。　外壁の無い内空間は、偏西風が吹く東アジアでは酷かもしれないが、１９７０年代後期の邸宅群は境界が明確で、気に入った作品が多かった。 しかし１９８０年代に入ると独特な屋根をつけた小規模建築が増え、境界も曖昧になってくる。　デザイン的にはやや物足りなさを感じた。　屋根は象徴的な意味を持たせているのだろう。 １９９０年代は公共施設が目立ち始める。　「埼玉県立大学」や「はこだて未来大学」は内空間を活用し、個室を有機的につなげた構造がみられる。　ガラスの透過性を利用して空間の接続を多様化しており、密空間（プライベート）⇔内空間（コモン）⇔外空間（パブリック）の連携がよりスムーズに感じられた。 ２０００年代には「チューリヒ国際空港」など社会周辺との関係を意識した大規模施設が増えてくる。　しかし社会との連携といった目に見えない部分は、実際に現地に行ってみないと意見は難しい。 多くの作品に共通して言えることは、周辺コミュニティとの繫がりを重視している点である。　芸術性はやや控えめだが、他者との関係性が維持し易い建築と言える。　「住まいを変えれば、日本が変わる」という理念を体現する建築家の一人だろう。　山本理顯の全体像を知ることができて満足な展示だった。　ところで、美術館前の浦賀水道を大型船が列をなして通過していく風景が何とも素晴らしい！ ＊美術館、 https://www.yokosuka-moa.jp/archive/exhibition/2025/20250719-939.html □朝井閑右衛門が描いた街と人間 ■朝井閑右衛門（あさいかんえもん）の油彩厚塗り絵画が数点並ぶ。　彼は戦後間もなく横須賀にアトリエを構え、横須...

■監督:ｳﾞｨﾙﾋﾟ･ｽｰﾀﾘ,出演:ｱﾙｳﾞｧ:ｱｱﾙﾄ,ｱｲﾉ･ｱｱﾙﾄ,ｴﾘｯｻ･ﾏｷﾆｴﾐ他 ■配信,(ﾌｨﾝﾗﾝﾄﾞ,2020年製作) ■数年前、写真美術館で上映した際には見逃してしまったが、ようやく観る機会を得た。　過去の写真と映像を編集しただけのシンプルな構成の映画だ。 アルヴァ・アアルトを語るには、彼と共に仕事をした、妻アイノの存在が欠かせない。　モダニズムの世界で夫婦が共に創作に携わるのは珍しい。 この映画の特長はアルヴァ後半生にも焦点を当てている点だろう。　そこには二番目の妻、エリッサ・マキニエミの存在がみえる。　彼女はアイノに瓜二つだ。　美術展などではアイノが前面に出されることが多いが、この映画では二人の女性を並べて描くことで、アルヴァの真の姿を浮かび上がらせている。 再婚した１９５２年以降の建築を俯瞰できたことは嬉しい収穫だった。　エリッサ時代のアルヴァは作風が変化したようにみえる。　良い意味で自由奔放になった印象だ。　しかし、利用者からは「贅沢すぎる」「装飾過剰だ」との批判もあったらしい。　とはいえ、この頃の装飾ディテールの面白さは彼の創作の頂点とも言える。 １９６０年代以降、彼は「保守的な恐竜」と揶揄され、酒にも溺れたという。　アルヴァが亡くなった際「彼は年金生活者だったのか？」と問われ、エリッサが激怒したという逸話も残っている。　二人の女性がいたからこそ、アルヴァは生涯を通じて現役の建築家であり続けることができたと考えられる。 ＊ｱﾙｳﾞｧ･ｱｱﾙﾄ生誕125周年作品 ＊映画com、 https://eiga.com/movie/97880/ ＊｢ﾌﾞﾛｸﾞ検索🔍｣に入れる語句は、アアルト　･･ 検索結果は6ﾌﾞﾛｸﾞ .

■監督:ﾊﾟｽｶﾙ･ﾎﾞﾆｾﾞｰﾙ,出演:ｱﾚｯｸｽ･ﾘｭｯﾂ,ﾚｱ･ﾄﾞﾘｭｯｹｰﾙ,ﾉﾗ･ｱﾑｻﾞｳｨ他 ■配信(ﾌﾗﾝｽ,2023年作) ■フランス地方都市の労働者宅からナチスに略奪され行方不明となっていたエゴン・シーレ作「ひまわり」が見つかり美術界に衝撃が走る。　本作は競売人（オークショニア）アンドレ・マッソンを主人公にしたオークション業界を描いた話である。 しかし、美術系からやや距離がある。　絵画を所持していた労働者や主人公、その助手、彼らの家族関係に多くの時間が割かれているためだ。　略奪された絵画の処理、競売人たちの駆け引きは明確には描かれない。　裏取引の存在を助手から知らされる主人公の経験不足も頼りなく映る。 この映画はフランスの階級社会を描いているように感じられる。　生まれ故郷がどこか？という問が繰り返される点や、家族関係の描写が多いのもその傾向を裏付けている。　終幕に絵を見つけた労働者に拍手が送られる場面があるが、美術界が抱える階層意識への後ろめたさを払拭する意図があるのかもしれない。 フランス人なら作品の背後にある地理や歴史を意識しながら鑑賞するだろう。　しかしフランスから遠く離れた立場の者にとっては、すべてがオブラートに包まれており、深層に辿り着くことは難しい。　表面的な描写を眺めるしかない。 ＊映画com、 https://eiga.com/movie/102804/