■美術展の感想を！

■作家:ﾌﾞﾙｰﾉ･ﾑﾅｰﾘ,ﾏｯｸｽ･ﾋﾞﾙ,ｵﾄﾙ･ｱｲﾋｬｰ,ﾃﾞｨｰﾀｰ･ﾗﾑｽ,ｱｯｷﾚ･ｶｽﾃｨﾘｵｰﾆ,ｴﾝﾂｫ･ﾏｰﾘ ■2121ﾃﾞｻﾞｲﾝｻｲﾄ,2025.11.21-26.3.8 ■今日は開催最終日のため混雑を覚悟していたが思ったほどではなかった。　上野の美術館とは客層の異なることが影響しているのかもしれない。 本展は６人のデザイナーに焦点を当てた構成になっている。　（上記作家欄の）前半の４人がドイツ系、後の２人はイタリア系に分かれており、このブログの過去に触れていたブルーノ・ムナーリとマックス・ビル以外は私にとって馴染みがない。　ムナーリとビルはデザインにとどまらず美術全般に活動を広げているため、出会う機会が多いのだろう。 イタリア系の二人は、よりプロダクト寄りのデザイナーと言える。　対象が具体的であるためか、二人の言葉はどこか饒舌に響く。 「興味がないなら忘れなさい」（  アッキレ・ カスティリオーニ）、「量産現場での繰り返し作業は職人も思考停止に陥る」（エンツォ・マーリ）。　マーリは無印良品との関係もあるらしく、過剰な資本主義から距離を置くというＭＵＪＩ思想にも通じるものを感じた。　 同じくプロダクトデザイナーであるドイツ系のディーター・ラムスは言葉の選び方にも秩序がある。　ブラウン社で数多くの機能主義的製品生み出した彼の「良いデザイン１０箇条」は印象に残った。　良いデザインは・・、「革新的である」「実用的である」「美しい」「分かりやすい」「主張しない」「誠実である」「長持ちする」「細部まで完璧」「環境に優しい」「簡素」である。　商品の基本原則としても十分通用する内容だ。 会場を後にすると、早くも６人の違いが曖昧になっていることに気づいた。　絵画や彫刻のように作家の個性が強く出る分野とは異なり、デザインは「使う人のため」という共通目的に向かうので、自ずと似た方向へ収束していくのかもしれない。 ＊美術館、 https://www.2121designsight.jp/program/design_maestros/

■作家:ﾌﾗﾝｼｽ･ﾍﾞｰｺﾝ,ﾀﾞﾐｱﾝ･ﾊｰｽﾄ,ﾃﾞﾚｸ･ｼﾞｬｰﾏﾝ,ｽﾃｨｰｳﾞ･ﾏｯｸｲｰﾝ,ｻｲﾓﾝ･ﾊﾟﾀｰｿﾝ他 ■国立新美術館,2026.2.11-5.11 ■１９８０年代後半から２０００年頃までに製作された英国美術に焦点を当てた展示会である。　１９８８年、作家ダミアン・ハーストが企画した「フリーズ」展に集まった作家たちは、ＹＢＡ、つまりヤング・ブリティッシュ・アーティストと呼ばれるようになった。 会場に入ると、まずフランシス・ベーコン「トリップテック（三幅対）」（１９８８年）が目に飛び込み、続いてダミアン・ハースト「後天的な回避不能」（１９９１年）が現れる。　しかし、独自の表現を追求する作家たちの作品も並び、最初は全体像がつかみにく印象を受けた。　「ハンズワースの歌」（１９８６年）のドキュメンタリー映像を観た後、これら三作品を通して展示の主題が徐々に見えてきたように感じられた。 英国の身体・社会・歴史が世紀末に向けて溶解し始めていたのだ。　そこには英国特有の植民地主義の影も含まれるだろう。　この溶解は今も続いていて先が見えない。　ＡＩやドローン兵器といった劇的な技術変化を取り込みながら、このまま２１世紀は進んでいくのかもしれない。 映像作品では「ハンズワースの歌」のほか、トレイシー・エミン「なぜ私はダンサーにならなかったのか」（１９９５年）、スティーヴ・マックイーン「熊」（１９９３年）、スタバ・ビスワス「ミッキー・ベイカーの試練と苦労」（１９９７年）、マーク・ウォリンジャー「王国への入口」（２０００年）などを観ることができた。 エミンは赤裸々な性差別を語り、ビスワスは階級差別を語る。　「ジャマイカでは肌の色の濃淡で階級と教育程度が分かってしまう。　それを私はいつも気にしていた・・」。　・・。　ウォリンジャーは空港の到着ゲートに注目するが、そこに映るのは日常的に見慣れた会社員ばかりで、狙いは理解できるものの強い印象は残らなかった。　それよりも「ハンズワースの歌」に映る英国の港へ到着する移民船の乗客たち、安っぽい背広にネクタイを締めた人々の姿に衝撃を受けた。　彼らの背伸びをした正装で到着ゲートを通る姿に・・。 これまで「世紀末」といえば１９世紀末を指すことが多かったが、ようやく２０世紀末を描くことができる時代になってきたと感じられた。　英国以外の国...

＊下記□の3展を観る. ■東京ｵﾍﾟﾗｼﾃｨｱｰﾄｷﾞｬﾗﾘｰ,2026.1.21-3.29 □ｱﾙﾌﾚﾄﾞ･ｼﾞｬｰ ■アルフレッド・ジャーの作品を見るのは初めてだったが、会場に入っても暫くは展示テーマが掴めなかった。　しかし配布された資料を読むことで状況が理解できた。　とはいえ、その資料は場内で読むには長文で、しかも作品の核心まで踏み込んだ内容である。　主催者側も、補足説明がなければ観客が戸惑うと考えたのだろう。　実際、私もその混乱に陥ってしまったようだ。 説明書を読みながら展示を進むのはなかなか疲れる。　そんな中で、心に残ったのが「サウンド・オブ・サイレンス」（２００６年）である。　ある報道写真家がスーダンで撮影した一枚の写真をもとに、ジャーがドキュメンタ風に構成した映像作品だ。　その写真には「飢餓に苦しむ幼児の背後に、一羽のハゲワシが静かに立ち尽くす姿」が写っている。　後日、この写真はピューリツァー賞を受賞したものの、大きな物議を醸し、写真家は自ら命を絶ってしまった。　　「見ることの責任」を問われたのである。　撮影後、写真家はその場を立ち去ったとされている。　この作品を通して私自身も多くのことを考えさせられた。　おそらく、ジャーという作家を忘れることはないだろう。 ＊美術館、 https://www.operacity.jp/ag/exh294/ □寺田ｺﾚｸｼｮﾝ･ﾊｲﾗｲﾄ ■場内をざっと一回りする。　今回は有元利夫、堂本右美、難波田史男の作品が脳裏に残った。 ＊美術館、 https://www.operacity.jp/ag/exh/detail.php?id=320 □岩崎泰波 ■何とも言えない面白い作品群だ。　観ていて飽きない。　「日常の見慣れたものがいつもと違ってみえるような瞬間を捉える」。　現実世界から出発しているので不思議な作品でも親しみが湧くのかもしれない。 ＊美術館、 https://www.operacity.jp/ag/exh/detail.php?id=321

■作家:中村彜,佐伯祐三,織田一磨,松本俊介,滝口修三,清宮質文ほか ■SOMPO美術館,2026.1.10-2.15 ■「池袋モンパルナス」は美術館や芝居で度々取り上げられるが、「新宿中村屋サロン」が話題に上ることは殆どない。　ＳＯＭＰＯ美術館が５０周年記念として新宿に目を向けたのはよいタイミングだと思う。 １章「中村彜と中村屋サロン」から始まる。　中村彜（なかむらつね）をじっくりみるのは今回が初めてである。　「カルピスの包み紙のある静物」（１９２３年）は特に気に入った。　印象派風を感じさせながら、素早い線が画面にリズムを与え、色彩とも調和している。　画家ベルナール・ビュフェを薄くしたような雰囲気もあり、眺めていても飽きない。　「頭蓋骨を持てる自画像」（１９２３年）を目にしたときは、エル・グレコを思い浮かべた。　描かれた人物は聖ペテロだろうか。　彜は１９２４年に亡くなっており、これら２作品は死の直前に描かれたものらしい。　どちらにも、死から逃れられない諦観が漂っている。 コラム１「文学と美術」では岸田劉生「画家の妻」（１９１５年）が展示されていた。　東京では滅多に見ることができない。　思いがけない贈り物だった。　 ２章は「佐伯祐三とパリ／新宿」。　佐伯はモーリス・ヴラマンクから「このアカデミックめ！」と一蹴されたらしい。　下落合を描いた２作品が展示されていたが、彼は新宿で生活していたのだろうか？　新宿をテーマにしながら、画家たちの生活地図を掲載していないのは片手落ちに思える。　当時の写真なども併せて展示されていれば、より画家たちに近づけたはずだ。 コラム２「描かれた新宿」では木村荘八の９０年前の「新宿駅」（１９３５年）が目を引いた。　暗い画面だが静かな活気に満ちている。　かつてのニューヨークのグランド・セントラル駅を思い起こさせる。　数十年前の同駅はとても暗かった。　絵の前に立つと過去の記憶が次々と甦ってくる。 ３章「松本俊介と綜合工房」、４章「阿部展也と滝口修三」。　ここで松本俊介や滝口修三が登場するのは意外であり展示の幅を感じさせる。　松本俊介の「Ｎ駅近く」（１９４０年）は西武新宿線中井駅付近を描いたものらしい。　隣は下落合駅で、池袋と新宿のほぼ中間に位置する。　今日の展示をみても、「池袋モンパルナス」と比べると新宿はやや影が薄い印象を受けた。　むしろ池袋の文...

■作家:小出楢重,国枝金三,鍋井克之,黒田重太郎ほか ■府中市美術館,2025.12.20-26.3.1 ■２００１年４月、「そごう美術館」で開催された「小出楢重展」を鑑賞したことがある。　当時の記憶は薄れているものの、鑑賞記録には＜最高＞と記しており、今でも小出楢重は興味を惹かれる画家の一人だ。　今回も彼の全体像に改めて触れることができ、とても嬉しく思った。 先ずは、学生時代に日本画を専攻していたことを初めて知った。　「羅漢図」（１９０８年）などからも、若い頃からの確かな力量がうかがえる。　途中で洋画へ転じたものの「道頓堀の夕陽」「山の初夏」「草丘初夏」（１９１５年）などは平面的でやや暗く日本画と比べると野暮な印象を受けた。 １９１７年の結婚を機に人物画に取り組み始め、１９２１年の欧州旅行を経て生活様式を改め、洋画へと本格的に向かっていく姿は実に見事である。　その成果は「Ｎの家族」（１９１９年）や「静物」（１９１９年）に結実している。　「地球儀のある静物」（１９２５年）も気に入ったが、セザンヌの影響が感じられる点が興味深い。 その後の活動はますます多彩になっていく。　ガラス絵、挿絵、装幀、随筆に加え、芦屋へ転居してからはドライブやカメラにも関心を寄せたようだ。　これらは油絵の息抜でもあったらしい。　軸装や日本画はマチスの楽しさが漂っている。 「信濃橋洋画研究所」特集では、「雪の市街風景」（１９２５年）が国枝金三や鍋井克之の作品と比較されていたが、楢重の職業画家としての確かな技巧がよく伝わってきた。　他にも「街景」（１９２５年）が印象に残った。　「卓上静物」（１９２８年）は対象物を描き過ぎているものの円熟期の作品として魅力が感じられる。 さらに「楢重の裸婦」特集では、日本人裸婦の独特な生命感を湛えた７点の裸婦像が並び、「横たわる裸身」（１９３０年）を含め圧巻の内容だった。　４３歳の若さで亡くなったことが改めて惜しまれる。 帰りには大國魂神社へ立ち寄った。　参道には出店が並び熱気に満ちていた。　猿回しの姿も見られ、今日の充実した展示を思い返しながら帰途についた。 ＊美術館、 https://www.city.fuchu.tokyo.jp/art/tenrankai/kikakutenkaisai/2025_koide_narashige.html

＊当ﾌﾞﾛｸﾞに書かれた美術展から最良の10展を選出.　並びは開催日順.　映画は除く. ■ 福本健一郎 　　東京ｵﾍﾟﾗｼﾃｨｱｰﾄｷﾞｬﾗﾘｰ ■ ヒルマ・アフ・クリント展 　　東京国立近代美術館 ■ ゾフィー・トイバー＝アルプとジャン・アルプ 　　ｱｰﾃｨｿﾞﾝ美術館 ■ リビング・モダニティ、住まいの実験１９２０ｓ－１９７０ｓ 　　国立新美術館 ■ 岡崎乾二郎、而今而後 　　東京都現代美術館 ■ ルノワールＸセザンヌ、モダンを拓いた２人の巨匠 　　三菱一号館美術館 ■ 藤本壮介の建築、原初・未来・森 　　森美術館 ■ 新しい建築の当事者たち 　　TOTOｷﾞｬﾗﾘｰ間 ■ 山本理顯展、コミュニティーと建築 　　横須賀美術館 ■ ブルガリ・カレイドス、色彩・文化・技巧 　　国立新美術館 ＊今年の舞台は,｢ 2025年舞台ﾍﾞｽﾄ10 ｣. ＊今年の舞台映像は,｢ 2025年舞台映像ﾍﾞｽﾄ10 ｣.